Как разобраться в современном искусстве без диплома искусствоведа

Важна не техника письма, а высказывание

«Современное искусство» — термин, который появился после Второй мировой войны. Его творцы не мирились с привычными нормами. Почему должно быть так, как кто-то сказал? Да, есть правила, но кто запретит их нарушить и посмотреть на результат? Если есть прогресс в медицине, технологиях и других сферах, почему искусство стоит на месте?

В современном искусстве нет правил и канонов. Оно следует за развитием технологий, познанием человеком собственного тела и места в мире. Все настолько разнообразно, что нет единого свода правил — ни в живописи, ни в фотографии, ни в танце. Авторы критикуют авторитеты и системы. Смыслы важнее техники: работы живут, а не висят мертвым грузом в выставочных пространствах.

Творцы ни к чему не относятся серьезно: смешивают жанры, формы и стили. А еще оставляют для зрителя подсказки и поле для размышлений. «Что хотел сказать автор?» превратилось в зрительское «Что я вижу и чувствую, когда смотрю на картину, перформанс или инсталляцию?».

Вдохновением для художника становится мир вокруг. Сейчас в Нижнем Новгороде проходит выставка «Зона пчел». Одна из авторов, Мария Сафронова, создала свои инсталляции после того, как посетила промышленную пасеку, где пчелы утилизируются на производстве.

«Непонятно» — это нормально

Современное искусство часто вызывает непонимание у широкой аудитории и рождает дискуссии. И вот почему.

Отсутствие явного смысла

У многих произведений нет очевидной интерпретации, сюжета или понятной формы, например холста в раме. Если зритель привык смотреть на классическую живопись, ему сложно сразу переключиться на гору цветов или мусора посреди галереи. Что он видит, почему именно так оформлено пространство, какой во всем этом смысл? Эти вопросы вызывают недоумение. 

Необычные материалы и техники

Современные художники нарушают правила композиции, экспериментируют с формами и материалами. Здесь авторы разбавляют масло, мрамор, акварель, фрески коллажами, инсталляциями, видеоартом, цифровым искусством и даже телесными жидкостями.

Это производит впечатление. 

Выход за рамки комфорта

Классическое искусство предлагает пассивное наблюдение: зритель только смотрит на работы и наслаждается ими. В современном искусстве авторы вовлекают гостей выставок в процесс — приглашают потрогать объекты, включить видео или запустить часть инсталляций. 

Изменилась и роль художника: техническое мастерство вытеснил навык концептуальности. Творец все чаще не мастер академического письма, а бизнесмен и маг, который удивляет и шокирует публику. 

Отличие от классических, привычных норм

Классика фокусируется на идеалах красоты, гармонии, отсылает к мифологии, религии и истории, в ней есть четкий смысл. Современность обращается к абстракции: темы религии, политики, социальных проблем и истории творцы подают иначе. 

Как проникнуть в глубину современного искусства? 

Вы почувствуете искусство, когда откроетесь ему, прислушаетесь к идеям, эмоциям, разным точкам зрения творцов. Вот несколько шагов, после которых вы лучше поймете работы этого направления: 

• Прочитайте информацию об авторе произведений, которые вас интересуют. Его жизненная история подскажет, почему он говорит конкретно об этих темах.
• Ведите визуальный дневник: что зацепило, почему, какие мысли и ассоциации возникли. 
• Задавайте «глупые» вопросы: почему это шедевр, зачем это сделано?
• Слушайте лекции и читайте пояснения — они открывают смыслы, которые незаметны с первого взгляда. Если вы на выставке, возьмите гида.
• Обсуждайте увиденное с друзьями. В дискуссиях многие детали раскрываются по-новому.

Современное искусство непонятно лишь на первый взгляд. Не обязательно понять все и сразу, дайте себе время. 

Читайте также:

Постмодернизм в искусстве: игра смыслов, провокация и отказ от правил

Словарь современного искусства 

С основами разобрались, перейдем к теории. Ниже собрали важные термины: творческие направления, стили и креативные приемы творцов. 

Абстракция, абстракционизм 

Это направление убирает конкретику из реальности: фокус уходит на формы, цвета, линии и текстуры. Так художники выражают идеи и эмоции вне традиционных норм. Полет фантазии не ограничен, и каждый зритель распутывает клубок загадок, тайн и теорий в своей голове.

Геометрические образы — основной элемент работ абстракционизма. Не важно, классическая или смазанная геометрия — она сохраняет себя на полотнах. 

Заложили это движение Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Мондриан.

Продолжили это течение множество художников, в том числе Джоан Митчелл, Евгений Михнов-Войтенко и Бриджет Райли.

Акция, акционизм

Высказывание с целью или идеей, часто — отражение бытовой реальности, реакция на войны, политические и социальные решения, несправедливость, проверка реакции общества на нестандартные вещи. Истоки уходят в дадаизм, протестное движение против Первой мировой войны в Швейцарии. Дадаисты отрицали все каноны искусства и говорили, что высказывание важнее результата. 

Акционизм как явление к 1960 году сформировал художник и скульптор Клас Ольденбург. Его композиции имели форму предметов человеческого быта: пищевых продуктов, канцелярии, отходов.

Арте-повера

«Бедное искусство», или «искусство помойки». В ход идет все, что уже не нужно в природе и промышленности: кирпичи, одежда, уголь, ржавые предметы, палки от деревьев, старые заборы, рельсы и подобное.

Это течение появилось в Италии как ответ на высокое и дорогое искусство. Главное — сиюминутность, которая подчеркивает недолговечность: еще недавно палки были забором, а теперь они пылятся на свалке. Но они все еще живы и пригодны для творчества. То же и с одеждой. Неосознанное потребление привело к тому, что одежда не остается в шкафах, а скапливается на мусорках. 

«Венера в лохмотьях» Микеланджело Пистолетто — одна из самых известных и громких работ в этом стиле.

Иммерсивность

Иммерсивность (от англ. immersive — «присутствие, погружение») — ненавязчивый прием, которым художник вовлекает зрителя в свое произведение. VR-очки, игры на выставке и даже иммерсивный спектакль — так происходит взаимодействие с искусством. Отличается от интерактивности «эффектом присутствия», в котором нет физического контакта с объектами или актерами. 

Интерактивность

Интерактивность (от англ. interaction — «взаимодействие») — здесь художник или актер призывает зрителя к действию. Контакт очень близкий: зритель — часть искусства, а не просто наблюдатель. Актеры приглашают кого-то из зала на сцену, а художник оставляет за зрителем право решить судьбу перформанса.

Шокирующий пример интерактивности в искусстве — золотые рыбки в блендере от художника Марко Эваристти. Рыбки плавали внутри, и люди просто смотрели на них. Нюанс был: художник включил блендеры в розетку. Однажды посетитель запустил один из них и перемолол рыбку.

Инсталляция

Инсталляция — это объемный объект или результат взаимодействия людей. В ней художник задействует звук, свет, видео, людей.

Инсталляции расширяют возможности творца, он может высказаться в любом виде, который ему интересен сейчас. 

Прямо у выставочного пространства ГЭС-2 стоит арт-объект, который сам по себе инсталляция. Это «Большая глина № 4» от швейцарского художника Урса Фишера. В ней он рассуждает о сути творчества и его процессе: чтобы найти нужную форму, автор много думает и пробует.

Китч

Искусство вычурное, безвкусное, и этим оно впечатляет зрителей.

Китч изобилует декорациями, яркими цветами и эмоциями. Художники заимствуют сентиментальные образы, утрируют их и делают нарочито вульгарный стиль. Китч появился еще в 19 веке, но особое развитие получил в 20-м, когда на рынке возросло массовое потребление. 

Работы Энди Уорхола — тоже китч, причем осознанный и громкий. Он сделал банку супа и лицо Мерилин Монро дорогими арт-объектами. Уорхол смеялся над элитарностью и разделением искусства на высокое и массовое, ведь любой объект теперь продается дорого при хорошем маркетинге. 

Концептуализм

В нем идея — центральный элемент произведения искусства. Эстетика, материальная ценность, образы остаются на втором плане. Часто концептуалисты фиксируют ход своих размышлений, обсуждений и экспериментов. Так процесс становится искусством сам по себе. 

Первые отголоски концептуализма показал Марсель Дюшан в своем объекте «Фонтан». В 1917 году он выставил обычный писсуар со своей подписью на выставке независимых художников в Нью-Йорке.

В СССР 1970-х годов даже было движение — московский концептуализм. Среди участников были художники Илья Кабаков, Павел Пепперштейн, Эрик Булатов.

Посмотрите на их работы. Что чувствуете? Какие смыслы видите?

Living art

Разновидность перформанса, где во главе — сама жизнь художника.

Порой искусство принимает невероятные формы. Например, тайваньский творец Тейчин Сье проводил «годовые» перформансы: в один год он не выходил из дома, не читал и не смотрел телевизор, в другой — жил на улице. А еще он на 12 месяцев привязал себя к перформансистке Линде Монтано, но при этом они не касались друг друга.

Минимализм

Художественное течение родом из Нью-Йорка 1960-х годов. На полотнах и в скульптурах преобладают простые геометрические формы, монохромные цвета и гладкие формы.

Упрощение и никаких сложных подтекстов — девиз творцов этого стиля. Без Малевича не обошлось — многие художники вдохновляются простотой и гениальностью его «Черного квадрата».

Новая европейская живопись

Появилась в конце 1980-х годов. Инициатива шла от художников, которые связывали в своем творчестве прошлое и настоящее. Многие авторы имеют академическое образование и добавляют элементы реализма в свои работы — и при этом разбавляют его абстракцией. Один из ярких представителей движения, немец Герхард Рихтер, совмещает фотографии и классическую живопись.

Другие авторы исследуют темы Второй мировой войны, своей юности, рефлексируют опыт, который у них был.

Перформанс

Самое популярное действие в современном искусстве. Это выступление художника, которое не имеет границ и правил. 

Пожалуй, королевой перформанса по праву называют художницу Марину Абрамович. Она создала десятки проектов, шокирующих, вдохновляющих и невероятных по смыслу. В одном из них Марина приглашала посетителей к зрительному контакту. Любой желающий садился напротив художницы, и они смотрели друг на друга в молчании. Это был перформанс «в присутствии художника».

Программное искусство

Художник = программист. Он пишет реальный программный код и делает его объектом искусства. Компьютер анализирует загруженные данные и выдает уникальный цифровой результат. Получается, что искусственный интеллект — соавтор произведения. 

Это искусство появилось в 1990-х годах, когда программист из США Скотт Дрейвс разработал алгоритм, с помощью которого компьютер рисовал разноцветные изображения.

Самый известный творец этого направления — Алекс Маклин, автор forkbomb. В программировании этот термин означает вредоносную программу, которая плодит свои бесконечные копии. 

Алекс создал десятистрочный код, который постепенно перегружает и отключает компьютерную систему. 

Солнечное искусство

Художники используют солнечную энергию в своих работах. Они напоминают о том, что солнце — более экологичный источник энергии, чем классическое топливо. 

Хорват Никола Башич создал инсталляцию «Приветствие Солнцу» из 300 стеклянных пластин, под которыми находятся солнечные батареи. Они питаются солнечным светом днем, а вечером устраивают световые шоу.

Еще одна эстетичная работа — «Танцующие солнечные незабудки» Александра Данга. 

Множество цветков танцуют благодаря солнечным двигателям, которые художник спрятал внутри. Когда на цветок попадает солнце, он раскачивается и пританцовывает. 

И еще один заметный проект от лаборатории Loop.pH из Лондона — «Купол SOL». Невесомая конструкция состоит из композитного полотна диаметром 8 и высотой 4 метра. Купол забирает солнечный свет и излучает его в вечернее время.

Х-Арт 

Есть несколько разновидностей арта, в которых меняется лишь первое слово: медиаарт, видеоарт, сайнс-арт, диджитал-арт. 

Видеоарт — про искусство через мультимедиа, кино, видео, анимацию. Каждое произведение — исследование важной для художника темы. 

Сеулец Нам Джун Пайк экспериментировал с видео еще в 1950-х. С его подачи оно стало искусством. Он объединился с с виолончелисткой Шарлоттой Мурман и создал серию перформансов, наиболее известный из которых — TV Cello. 

Пайк собрал мониторы в виде виолончели, а Мурман водила по ним смычком. Ее игра транслировалась на экранах.

В лэнд-арте художники рассказывают историю через природный ландшафт. Фестиваль «Архстояние» — пример такого искусства. 

Сайнс-арт объединяет науку и искусство. Произведение рождается из пробирки, внутри лабораторий и проникает в массы. Так зрители воспринимают науку не как что-то заумное, а как интересное и самобытное.

Диджитал-арт — искусство цифровых технологий.

Один из основателей — американский художник и математик Бенджамин Фрэнсис Лапоски. В 1950 году он создал абстракцию с помощью электронно-лучевого осциллографа: рисовал им фигуры и потом делал фотографии. 

Хеппенинг

Импровизации внутри перформанса. В них есть смысловая и сценарная канва, но приветствуется свобода действия. Зритель тоже вносит свои изменения в задумку. 

Композитор Джон Кейдж — пионер хеппенинга. В 1960-м он записал шумы и звуки природы и сыграл их на 34-х предметах. Вместо нот он использовал схему, на которой подробно расписал звуковые действия в конкретное время.

Осенью 1971 года по его инициативе 300 человек гуляли по окрестностям университета Висконсина в тишине и прислушивались к звукам природы. А еще он сделал звукодень для радио в 1978 году: его музыканты создавали мелодию с помощью раковин с водой и озвучивали записанные ранее природные шумы. 

Главное о современном искусстве

Современное искусство появилось в 20-м веке как реакция на традиционные нормы творчества: единый стиль, академическое письмо, каноничные образы героев. Современные художники делают искусство динамичным, следят за трендами и развитием технологий, отражают социальные и политические изменения в обществе. Многим художникам в работе помогают искусственный интеллект и цифровые программы. 

Они бросают вызов традиционным представлениям о творчестве, сокращают дистанцию между собой и зрителем. Посетители выставок участвуют в перформансах и влияют на развитие произведений. 

Идея и концепция для художников важнее эстетики и мастерства. Право голоса получили все: больше нет высокого и низкого искусства, разделения по гендеру, расе и другим принадлежностям. 

Современное искусство не всегда понятно на первый взгляд. Но постепенное погружение дает плоды: читайте информацию о художниках и их стилях, ведите визуальные дневники, задавайте вопросы, обсуждайте работы с друзьями и просто чувствуйте каждое произведение. В современном искусстве нет единого смысла. Каждый видит то, что хочет. И это — одно из самых классных его качеств.