10 современных художников, которых должен знать каждый дизайнер

Дженни Хольцер: тексты, которые говорят громче образов

Дженни Хольцер (1950, Огайо, США) — современная художница, которая сделала текст основным материалом творчества. Она начала с абстрактной живописи и минимализма, но быстро поняла: сильнее цвета и формы на человека действует слово. С конца 1970-х ее точные, нередко болезненные фразы появляются на светодиодных панелях, зданиях, билбордах, футболках, мраморе, костях и коже. Она вписалась в американскую арт-сцену, наследуя поп-арту Уорхола и концептуализму Джозефа Кошута, но пошла дальше: вынесла искусство за пределы галерей, сделала его публичным, политическим и по-настоящему уязвимым.

Хольцер работает с темами власти, цензуры, насилия, гражданских прав. Часто ее фразы звучат как лозунги, предостережения или внутренние монологи. Современная художница разрушает границы между частным и общественным, личным и политическим, заставляя зрителя быть не просто наблюдателем, а участником диалога.

Читайте также:

Как Энди Уорхол стал королем поп-арта

Truisms (1977–1979)

Один из самых узнаваемых и ранних проектов Хольцер. Она написала более 250 коротких фраз вроде «Любой избыток аморален» или «Свобода — это роскошь, а не данность» и напечатала их на стикерах, плакатах, футболках и листовках. Фразы выглядели как универсальные истины, но на самом деле часто были абсурдны, противоречивы и сбивали с толку. Этот пример современного искусства показывает, как легко можно манипулировать мнением.

Lustmord Table (1994)

Работа, которая посвящена насилию во время войны в бывшей Югославии. На столе — настоящие человеческие кости с выгравированными на серебре фразами от лица жертвы, преступника и свидетеля. Эстетика здесь вторична: главное — прямое физическое присутствие боли. Инсталляция говорит о невозможности дистанцироваться от трагедии — она буквально рядом, материальна, ощутима.

За десятилетия Хольцер работала со светом, мрамором, тканью, металлом, бумагой, данными, но ее главный инструмент остается прежним — слово. В нем и сила, и уязвимость, и надежда на то, что фраза, случайно увиденная прохожим, может изменить хоть что-то. «Я делаю искусство, потому что верю, что оно может говорить — и быть услышанным», — говорит она.

Дэвид Хокни: цвет, экран и нескучная классика

Дэвид Хокни (1937, Бредфорд, север Англии) — один из лучших художников 20 и 21 века. В начале 1960-х Хокни переехал в США, в Калифорнию. Именно свет и простор Лос-Анджелеса стали источником его знаменитой визуальной лексики — четких геометрических форм, ярких цветов и густого, почти физически ощутимого воздуха. Хокни работал с живописью, графикой, гравюрой, фотографией, сценографией и цифровыми технологиями, не ограничивая себя ни жанрами, ни эпохами. 

«Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» (1972)

Одна из самых знаковых и дорогих работ Хокни. В 2018 году эту работу продали за 90 миллионов долларов. Картина — кульминация темы воды и человеческих отношений в его творчестве. На ней — мужчина, глядящий на плавающего в бассейне. Композиция построена на контрасте: сухое и мокрое, статичное и текучее, наблюдение и ускользание.

Фотоколлаж «Шоссе Пирблоссом» (1986)

Созданный из сотен снимков, фотоколлаж представляет дорожный пейзаж Йоркшира. Он показывает, как работает человеческое восприятие: не линейно, а фрагментарно, с наложением ракурсов, сменой фокуса, многовекторностью взгляда. Проект стал вехой в фотоискусстве и проявлением интереса Хокни к оптическим устройствам и теории зрения.

Серия цифровых пейзажей на iPad (2010 — настоящее время)

Хокни одним из первых признал потенциал планшета как художественного инструмента в современном искусстве. С его помощью он до сих пор создает пейзажи Йоркшира — рассветы, деревья, небо — быстро, интуитивно, слой за слоем. 

Работы помогают переосмыслить живопись. В них чувствуются свежесть взгляда и любопытство мастера: ему за 80, но он по-прежнему исследует. На выставках художник объединяет цифровые полотна в монументальные видеоинсталляции, создает эффект полного погружения в цвет и пространство.

Рефик Анадол: искусство — это алгоритм

Рефик Анадол (1985, Стамбул) — популярный современный медиахудожник, исследователь и визионер, работающий на стыке искусства, архитектуры и искусственного интеллекта. Сегодня он руководит собственной студией Refik Anadol Studio в Лос-Анджелесе и считается одним из самых влиятельных художников цифровой эпохи. «Машина может помнить то, что мы забываем. Искусственный интеллект — это не просто код. Это новый партнер по воображению», — говорит Анадол.

В основе творчества Анадола — идея о том, что данные можно превратить в материал, а алгоритмы — в кисть. Он кормит нейросети массивами данных — от научных архивов до городского шума — и превращает это в живое, пульсирующее изображение: архитектурные проекции, цифровые инсталляции, метаверс-интерфейсы. 

Machine Hallucinations (2019 — настоящее время)

Один из самых известных циклов Анадола, в котором он «учит» нейросети смотреть, а затем — мечтать. В проекте используются миллионы изображений: от архитектуры Нью-Йорка до космических фотографий NASA. После обучения модели создают новые формы — словно видения машины, которая не запоминает, а фантазирует. Этот проект стал и NFT-серией, и VR-экспериментом, и галерейной инсталляцией. «Это не воспоминания. Это сны, которые машина увидела на основе нашей культуры», — говорит художник.

WDCH Dreams (2019)

Проекция на фасад концертного зала Walt Disney Concert Hall в Лос-Анджелесе. Анадол получил доступ к архиву Филармонии — 45 терабайт данных, включая партитуры, фотографии, афиши, аудиофайлы. Он загрузил все это в нейросеть и создал архитектурный медиафасад, который «видел» и «помнил» историю здания. Это не просто визуальное шоу, а реконструкция культурной памяти. Проекция шла 10 дней подряд, каждую ночь — новая «партитура воспоминаний».

Анадол — один из тех, кто сегодня буквально формирует визуальный облик эпохи искусственного интеллекта и входит в топ современных художников. 

Илья и Эмилия Кабаковы: полет из СССР на крыльях искусства

Илья Кабаков (1933, Днепропетровск) — художник, иллюстратор детских книг и участник неофициальной художественной сцены СССР. В 1989 году он уехал в США, где начал работать вместе с двоюродной племянницей и по совместительству женой — Эмилией Кабаковой. Их дуэт стал символом «тотальной инсталляции» — формата, где зритель не просто смотрит на работу, а буквально входит в нее, теряется, становится ее частью.

Кабаковы создавали пространства памяти, фантазии и утопии, которые отсылали к позднесоветской реальности. Они соединяли бытовые артефакты — мебель, одежду, надписи от руки — с концептуальными высказываниями о жизни, смерти, мечте и несвободе. В их мире много «маленького человека», много тоски, абсурда, но всегда есть попытка вырваться. Ключевой элемент — тексты: письма, монологи, дневники, инструкции. Они превращают визуальный объект в повествование, а пространство — в метафору сознания. 

«Человек, улетевший в космос из своей комнаты» (1985)

Одна из самых известных инсталляций Кабаковых. Маленькая комната, оформленная как советская коммуналка, внутри которой пробита дыра в потолке. В ней — самодельная катапульта, кресло, обрывки инструкций.

Это история человека, который, устав от серости и несвободы, построил устройство, чтобы «улететь в космос» — буквально и метафорически. Работа одновременно иронична и трогательна: речь идет не о технике, а о мечте, об уходе из реальности.

Тотальная инсталляция «Красный вагон» (1991)

Проект представляет собой вагон метро, проходя через который, зритель слышит гимны, военные марши и записи речей. Внутри — изображения, тексты, портреты, старые предметы быта. «Красный вагон» — образ советской эпохи. Инсталляция создает эффект присутствия внутри исторического и личного прошлого, моделирует ощущение жизни в контролируемой системе.

Олафур Элиассон: искусственное солнце и сила восприятия

Олафур Элиассон (1967, Копенгаген) — датско-исландский современный художник, который работает на пересечении искусства, науки и природы. 

Художественный язык Элиассона строится на работе с естественными элементами: светом, воздухом, водой, температурой, оптическими иллюзиями. Он реконструирует природные явления, помещая их в контекст галереи или городской среды. Многие работы связаны с темами климата, экологии, памяти, устойчивого развития. Художник осознанно работает с материалами и источниками энергии, проводит образовательные программы, участвует в климатических инициативах.

Важнейшая составляющая творчества — вовлечение зрителя в процесс не как наблюдателя, а как участника. Элиассон называет это принципом YES — Your Engagement Sequence, где восприятие становится формой сотворчества.

The Weather Project (2003)

Инсталляция в Турбинном зале лондонского Tate Modern: художник создал искусственное солнце и туманную атмосферу. Взгляд зрителя упирался в гигантский полукруг, отраженный в зеркальном потолке. Пространство затягивало: люди ложились на пол, молчали, смотрели вверх. 

New York City Waterfalls (2008)

Вдоль Ист-Ривер, судоходного пролива в Нью-Йорке, были установлены четыре искусственных водопада высотой до 36 метров. Конструкции из лесов подчеркивали искусственность, но органично вписывались в городской ландшафт.

Вода забиралась из реки и возвращалась обратно, без ущерба экологии. Зритель получал физический, звуковой, эмоциональный опыт. Временность инсталляции подчеркивала уязвимость как природы, так и самого человеческого восприятия.

Такаси Мураками: ирония и цвет по-японски

Такаси Мураками (1962, Токио) — один из самых известных художников 21 века, который превратил японскую поп-культуру в универсальный язык современного искусства. Свой путь он начал с изучения традиционной живописи нихонга, но вскоре разочаровался в ее закрытости и создал собственную эстетику — Superflat. Она объединила технику японских гравюр, визуальный язык аниме и манги, буддийские символы и философию массового потребления. 

Мураками выстроил вокруг себя целую арт-индустрию. Его студия Kaikai Kiki Co. — не только место производства живописи и скульптуры, но и фабрика игрушек, NFT, одежды, а также платформа для поддержки молодых художников. Он сознательно работает на пересечении искусства, маркетинга и моды.

Паттерн с цветами

Улыбающиеся цветы с глазами стали фирменным знаком Мураками. Образы одновременно трогательны и тревожны — за детской мультяшностью скрываются темы страха, одиночества и потребительской истерики. Цветы стали частью инсталляций, часто встречаются на элементах одежды, аксессуарах, в интерьере. Именно они сделали Мураками символом поп-арта 21 века.

Mr. DOB (1993)

Фирменный символ Мураками и его альтер-эго. Через персонажа художник исследует массовую культуру, идентичность и коммерциализацию искусства. На картину «727» (1996), где Mr. DOB плывет по волне, современного художника вдохновили японские гравюры и «Большая волна» Хокусая. Работа стала манифестом «суперплоского» стиля, соединяющего традиционную и поп-культуру.

В Японии Мураками до сих пор нередко критикуют за коммерциализацию. Но на глобальной арене он один из немногих, кто смог превратить личный визуальный язык в культурный код целой эпохи.

Барбара Крюгер: тексты, которые не позволяют молчать

Барбара Крюгер (1945, Ньюарк, США) — современная художница, которая превратила язык рекламы в инструмент критики. Прежде чем заняться искусством, она работала арт-директором в модных журналах. Ее визуальный язык — лаконичные лозунги, жирный шрифт, красные плашки, короткие фразы, резкие контрасты, изображения, будто вырезанные из старой глянцевой хроники. Современная художница хочет, чтобы зритель почувствовал, встревожился, задумался. «Я использую язык, чтобы пронзить глаз», — говорила она. Крюгер работает на стыке графического дизайна и политики. И делает это с предельной ясностью.

«Ваше тело — это поле битвы» (1989)

Одна из самых известных работ в поддержку марша за права женщин. На фото — лицо, разделенное пополам: половина в негативе, половина в позитиве. Подпись: «Твое тело — это поле битвы». Здесь Крюгер буквально показывает, как женское тело становится ареной идеологической борьбы: медицины, политики, морали и власти. 

«Я покупаю, следовательно, я существую» (1987)

Фраза — сатира на знаменитое «Я мыслю, следовательно, я существую». В ней — критика потребления как основы идентичности в капиталистическом обществе. Покупка заменяет мышление, желание подменяет рефлексию. Изображение руки с карточкой усиливает эффект: субъект здесь — рука, совершающая покупку, а не человек как мыслящее существо.

Яёи Кусама: бесконечность, горошек и одиночество

Яёи Кусама (1929, Мацумото, Япония) — художница, перформер, писательница и икона современного искусства. С детства она страдала от галлюцинаций и тревожных состояний — позже это стало основой ее художественного языка. В 1957 году, вопреки сопротивлению семьи и властей, Кусама уехала в США.

Там она быстро вошла в круг радикальных художников и прославилась перформансами, психоделическими инсталляциями и образом жизни, выходящим за рамки мейнстрима. Она покрывала горошком все — людей, стены, зеркала, овощи, автомобили. Эти точки, по ее словам, «стирают границы между телом, объектом и пространством», превращая все в бесконечность.

Кусама создала визуальный язык, где повтор, симметрия и оптическая игра стали формой терапии и художественного высказывания. Ее искусство — это разговор об одержимости, боли, одиночестве и стремлении раствориться в бесконечности. С 1977 года она жила по собственному желанию в психиатрической клинике в Токио, каждый день переходила дорогу в свою студию и продолжала работать, называя искусство «единственным способом остаться в живых».

«Бесконечные зеркальные комнаты» (1965–2024)

Серия зеркальных комнат — визитная карточка Кусамы. Инсталляции погружают зрителя в бесконечное отражение света, точек и форм. В 2000-х комнаты стали вирусными: билеты на выставки раскупались за минуты, а фотографии из инсталляций наполнили соцсети. «Мои зеркальные комнаты — это порталы в место, где эго растворяется, — говорила Кусама. — Я создаю вселенную, в которой можно исчезнуть».

«Тыквы» (1994 — настоящее время)

Тыквы Кусама называет своим тотемом. Она рисует, лепит, отливает их в металле и стекле — монохромные, в горошек, гигантские, гротескные. Первая инсталляция тыквы появилась в 1946 году, но особую известность скульптуры получили в 1990-х. Сегодня огромная желтая тыква Кусамы на пирсе острова Наосима — символ японского арт-туризма. «Тыквы теплые и смешные. Когда я была ребенком, они помогали мне справляться со страхом», — говорит художница.

«Комната уничтожения» (2002 — настоящее время)

Интерактивный проект, в котором зрители становятся соавторами. Кусама представляет полностью белое пространство, обставленное обычной мебелью. Каждому посетителю выдают кружки-наклейки, которыми он может покрыть любую поверхность. Постепенно «комната исчезает», теряя очертания. Это игра с потерей контроля, понятием времени, возможностью раствориться в коллективном действии.

Ай Вэйвэй: керамика, крабы и перформанс против власти

Ай Вэйвэй (1957, Пекин) — китайский популярный современный художник, куратор, режиссер и активист. Его искусство слилось с политическим протестом. Отца, поэта Ай Циня, сослали в провинцию за критику режима. Ранние годы под контролем государства сформировали у Вэйвэя острое чувство несправедливости и потребность говорить громко. 

Художник бойкотировал Олимпиаду-2008 в Пекине, участвовал в расследованиях коррупции, вел блог, за который его арестовали. По приказу властей в Шанхае снесли студию Вэйвэя, но он превратил снос в перформанс, организовав крабовую вечеринку (в китайском языке слово «краб» созвучно с «гармонией» — лозунгом китайской пропаганды). 

В 2011 году художник исчез после ареста. Он провел 81 день в заключении, после чего получил международные награды и статус иконы свободы. Его перформансом стала сама реальность: власть, слежка, протест, страх и солидарность.

«Падение урны династии Хань» (1995)

В 1993 году художник основал студию Fake, начал экспериментировать с традиционным китайским наследием и поп-артом. В проекте «Падение урны династии Хань» Вэйвэй роняет древнюю вазу.

Он буквально уничтожает музейный экспонат, чтобы показать: разрушение уже происходит — в культуре, в сознании, в политике. «Я люблю культуру, но хочу выйти за ее рамки», — говорит известный современный художник. Раскрашивая древнюю керамику логотипами Coca-Cola или автокраской Mercedes, он обнажает конфликт между историей и современным культом потребления.

«Семена подсолнечника» (2010)

Работы Ай Вэйвэя часто масштабны и многослойны. В инсталляции — 100 миллионов фарфоровых семечек, каждая из которых расписана вручную 1600 мастерами в Цзиндэчжэне.

Это и отсылка к эпохе Мао, и метафора человеческих жизней, и высказывание о невидимом труде. Инсталляция выглядит как ковер из серой крошки, но за ней — труд, массовость, контроль, история. Она говорит о коллективной идентичности и одновременно — об обезличенности.

JR: уличный художник, который дал стенам голос

JR (1983, Париж) — один из самых известных уличных художников. Его имя до сих пор неизвестно: JR принципиально работает инкогнито, считая, что важны не авторы, а те, чьи лица он выводит на стены.

В юности JR рисовал граффити и лазал по крышам, пока не нашел на улице фотоаппарат. Так началась его карьера: он стал снимать людей и превращать их портреты в гигантские постеры.

Искусство JR — это и визуальная поэзия, и гражданская журналистика. Он называет себя фотожурналистом вне СМИ и музеев. Работы JR появляются на границах, фасадах трущоб, в зонах конфликтов и на заброшенных зданиях. Он говорит от лица тех, кого не замечают: беженцев, заключенных, жителей фавел. «Улица — это самая большая галерея в мире», — говорит он.

Face 2 Face (2007)

Один из первых громких проектов JR, реализованный вместе с Марко Бертином. Художники приехали в Израиль и Палестину и сняли пары людей с обеих сторон конфликта: поваров, врачей, водителей такси — по одному из каждого лагеря. Лица были напечатаны в формате 4×6 метров и размещены попарно — израильтянин рядом с палестинцем.

Ни один не был подписан. Так JR ставил зрителя перед вызовом: сможешь ли ты отличить «своего» от «чужого», когда перед тобой просто лицо? Это была попытка стереть границу, которая кажется непреодолимой. Проект был нелегальным и вызвал бурю обсуждений.

Inside Out (2011 — настоящее время) 

Один из самых масштабных и демократичных арт-проектов в истории. JR запустил платформу, с помощью которой любой человек может отправить свою фотографию, получить ее напечатанной на постере и вклеить в своем городе. Цель — дать каждому возможность заявить о себе и о своей общности. Проект охватил более 150 стран, от Швейцарии до Колумбии, от Индии до Ирака. В Пакистане вывешивали портреты исчезнувших активистов. В США — лиц иммигрантов. В Аргентине — матерей пропавших без вести. JR называет этот проект «глобальной платформой людей, которых никто не спрашивает, но которым есть что сказать».

Где узнать больше о современном искусстве и художниках

Если хочется глубже понять подходы современных художников и вдохновиться визуально, концептуально, методически, изучите подборку полезных материалов. 

Онлайн-галереи и арт-платформы

• Artsy — крупнейшая платформа об искусстве: от работ современных художников 21 века до классики. Удобная по авторам, направлениям и событиям.
• Artforum — журнал о выставках, перформансах и философии искусства.
• Contemporary Art Daily — лаконичные подборки выставок со всего мира.
• OFLUXO — платформа с фокусом на digital art, генеративную графику и AI-художников.

Подборки и медиатеки от музеев

• MoMA — видеогиды, подборки по темам (например, «Женщины в искусстве», «Искусство протеста»), digital-экспозиции.
• Tate Modern — онлайн-галерея с разборами техник, направлений и биографий.
• Garage Digital — журнал с фокусом на digital art и новые формы. Есть архивы выставок, интервью.
• Centre Pompidou — крупнейшая коллекция современного искусства, регулярно публикуют курируемые подборки и объясняющие видео.

Русскоязычные арт-медиа

• Artguide — гид по выставкам, художникам, институциям и арт-рынку. Часто публикуют интервью и обзоры галерей.
• The Blueprint (раздел «Искусство») — визуальная культура, архитектура, арт и фотография.
• Arzamas — не только про искусство, но есть отличные курсы, лекции и статьи по культуре, эстетике и философии.
• Искусство и культура (Google Arts & Culture на русском) — глобальный проект с виртуальными турами, архивами и медиатекой, доступен на русском.

Главное о современных художниках 21 века 

• Дженни Хольцер создала язык, в котором текст стал объектом дизайна. Острые фразы известной современной художницы появляются на экранах, стенах, одежде и скульптурах. 
• Дэвид Хокни использует традиционные и современные техники, уверенно и последовательно работает с цветом. Его цифровые пейзажи и фотоколлажи — примеры того, как можно по-новому подходить к искусству.
• Рефик Анадол использует данные и алгоритмы для создания масштабных проекций и визуализаций. 
• Илья и Эмилия Кабаковы — авторы инсталляций, наполненных повседневными предметами. Их работы учат думать о вещах как о носителях личных историй.
• Олафур Элиассон строит работы на природных и оптических эффектах: свет, вода, отражения. Он исследует, как человек воспринимает окружающее пространство и как среда влияет на ощущения.
• Такаси Мураками объединяет японскую поп-культуру, традиционную живопись и философские идеи в узнаваемом визуальном стиле. Активно сотрудничает с представителями модной индустрии, музыкантами, основателями крупных брендов.
• Барбара Крюгер использует простые визуальные элементы — красные плашки, черно-белые фотографии, короткие фразы, — чтобы высказываться на социальные и политические темы.
• Яёи Кусама известна бесконечными точками, зеркалами и повторяющимися формами. 
• Ай Вэйвэй говорит на языке перформанса и провокации. Его работы часто поднимают социальные и политические темы.
• JR размещает гигантские портреты людей на здания, поезда, стены. Работает с лицами, историями, контекстом улицы и архитектурой.

Проекты современных художников показывают, что за сильным образом всегда стоят идея, контекст и личная позиция. Знание этих работ расширяет насмотренность, помогает пополнить библиотеку референсов, научиться работать с метафорами, текстурами и масштабом. А значит, создавать дизайн, который цепляет и запоминается.