Постмодернизм в искусстве: игра смыслов, провокация и отказ от правил

Как появился постмодернизм: реакция на скуку модернизма

Модернизм, который появился в начале XX века в Западной Европе, мог бы долго оставаться без конкуренции. Но его изменили войны, массовая культура, сексуальная революция, эмансипация и новые технологии. Творцы задумались: есть ли вообще единая истина в искусстве? Может, даже падение ветки — уже искусство?

Постмодернизм сломал привычные нормы модернизма: универсальность, романтизм, символизм, четкие формы, жанры и серьезность тем. Исследователи постмодернизма выделяют семь принципов этого направления. 

Деканонизация

В постмодернизме нет четких рамок, а значит и ограничений в самовыражении. Творцы свободны от шаблонов, их фантазия не ограничена ничем.

Интертекстуальность

Постмодернисты используют ее для слияния текстов и произведений искусства и рождения нового смысла. Речь о коллажах, отсылках, цитировании и пародии.

Игра и ирония

Любое искусство постмодернизма несерьезно: оно высмеивает нормы, поведение людей, мнения о красоте.

Плюрализм стилей

Постмодернизм отвергает единую художественную канву и предлагает миру новую эстетику, где техники, жанры и сюжеты дружат между собой. 

Акцент на субкультурах и голосах меньшинств

Постмодернистское искусство выявляет невидимые или забытые истории и дает площадку для высказывания тем, у кого нет власти.

Смешение границ между высоким и низким искусством

Постмодернизм стирает различия между высокой живописью или классической архитектурой и массовой культурой: комиксами, рекламой, кино и музыкальными клипами.

Читайте также:

Психология форм и фигур: что это и как повлияло на искусство и дизайн

Переплетение времени и пространства

Постмодернизм считает, что прошлое, настоящее и будущее отлично существуют в искусстве. Их взаимодействие рождает новые смыслы. 

Постмодернизм отражает дух времени — свободу, самовыражение, технологии и разнообразие мнений. Он близок человеку XXI века, который ежедневно получает информацию из телеграма, онлайн-медиа, колонок с ИИ и ChatGPT. Сегодня нас не ограничивают в творчестве: мы пишем, рисуем, ведем блоги, поем и пробуем новые танцы. Постмодернизм — это искусство без границ, в начале пути или после 20 лет практики.

Постмодернизм не имеет финальной точки, потому что всегда находится в динамике. Одно произведение воспроизводит другое, жанры смешиваются, высокая культура выходит на улицы, а офлайн-выставки уходят в онлайн. 

Все художники, о которых поговорим дальше, не похожи друг на друга: они делают свой опыт частью искусства, разбираются со сложностями и радостями своего детства через картины, используют фотографию и типографику как часть творческого процесса. Художники-постмодернисты еще и фотографы, и скульпторы, и ораторы. Экспериментаторы, которые смотрят дальше мольберта и масляных красок. 

Что будет, если смешать высокое и низкое искусство. Уорхол и Лихтенштейн

Первые ласточки постмодернизма — художники американского поп-арта. Они показали, что искусство понимает любой — человек из высшего общества, который рос на гламурных выставках, и работник завода, который ни разу в галерее не был.

Яркий пример — работы художника Энди Уорхола. Никаких усложнений — просто 32 полотна с банками супа фирмы «Кэмпбелл», бутылки кока-колы и неоновая Мэрилин Монро.

Сюжет картин с супом Уорхол взял из собственной биографии: мама давала ему суп на обед, а из пустых банок делала поделки. 

Изображение Мэрилин — символ массовой культуры. Она умерла, но ее образ остался на слуху. Картина отсылает к детству художника, когда тот рисовал в раскрасках во время болезни. «Диптих Мэрилин» идет от черно-белого к цветному, кислотному образу актрисы.

Уорхол работал с методом трафаретной печати — шелкографией. Он создавал трафареты, с помощью которых накладывал краску на полотно. Так он производил сразу несколько работ и подчеркивал массовость искусства. Он намеренно использовал яркие цвета для эффекта рекламного гламура.

Вместе с другими художниками Уорхол работал в арт-ателье «Фабрика». Он делегировал часть производства и делал творчество коллективным. Совместное творчество отражало дух времени и напоминало, что процесс не менее важен, чем результат. 

Коллега Уорхола, Рой Лихтенштейн, исследовал образы комиксов и делал из них поп-арт-картины: «Плачущая девушка», «В машине», «Медсестра».

В стиле Лихтенштейна есть четкие линии, яркие цвета и «пунктирный» штрих, который имитировал печать в комиксах. Он использовал приемы из печатного мира, например большие капли слез у героинь, крупные губы, испуганные глаза. 

Наскальная анатомия Жана-Мишеля Баскии

Американский художник, который работал со стилем наскальных рисунков, граффити, стрит-артом. Друг Энди Уорхола, исследователь расовых вопросов, социальной несправедливости и человеческой анатомии. Однажды Баския увидел, как мальчика на улице сбила машина и что случилось с его телом после аварии. Со временем юный художник увлекся учебником «Анатомия Грея» и изучил все детали телесности и организма. 

Стиль его картин хаотичен, в них есть страх, боль, чувства накалены до предела. Баския показывал свой внутренний мир — противоречивый, экспрессивный, творчество лилось из него, иногда он работал по 20 часов без перерыва. 

Воображариум Дэвида Хокни

Поп-арт-художник из Великобритании сделал самые популярные свои работы после переезда в США. Наиболее известен по яркой и геометрической картине «Большой бассейн с двумя фигурами».

Хокни любит яркие оттенки, плавные линии, гармоничные солнечные сюжеты калифорнийских ландшафтов. Многие картины рисует на iPad и считает новые технологии помощниками искусства. 

Хокни регулярно фотографирует и использует полароидные снимки в качестве набросков для будущих полотен. А еще он изобрел собственную технику фотоколлажей из сотен маленьких фотографий из одной точки.

Возвращение в детство. Джефф Кунс 

Американский художник (именно художник, а не скульптор), который любит игры и игрушки. Автор тех самых разноцветных собачек Balloon Dogs. Один из самых высокооплачиваемых современных творцов.

За «Висящее сердце» миллиардер Виктор Пинчук заплатил художнику 23,6 млн долларов.

Но рекордную цену получил «Кролик», который ушел к миллиардеру Стивену Коэну за 91 млн долларов. В нем художник смешал свои воспоминания о садовых пасхальных кроликах с образом Playboy. 

Секрет успеха Куна — в работе с эмоциями зрителя. Игрушки в детстве были у всех, иногда странные, с выпученными глазами или кривыми лапами. Он добавляет провокацию, подтекст, уходит от идеализации в сторону реальности. Намеренно увеличивает размеры объектов и делает их стальными, а значит, долговечными. 

Как графика и анимация встретились в мире Такаси Мураками

Легендарный японский художник, который создает картины из мелких изображений, большинство из которых — цветы. 

Он использует яркие оттенки и простые формы, которые встречаются в японских комиксах. Его цветы смеются, они довольны жизнью. Природный образ происходит из японской живописи: в ней много деревьев, садов в цвету, моря.

Многие фигурки у художника дублируют образ с его автопортрета: Mr. Dob. Альтер-эго Мураками — персонаж с круглой головой и большими ушами. DOB — аббревиатура фразы одного из японских комиков «Dobojite dobojite» (Зачем? Зачем?). У художника получился своеобразный посыл творцам о смысле всего, что происходит вокруг. 

Мураками создал жанр «суперплоскость». Его суть в том, что в японской культуре нет трехмерных изображений и весь акцент идет на 2D-образы.

А еще он регулярно запускает коллаборации с разными брендами — например, в марте этого года вышла бейсбольная коллекция совместно с клубом Dodgers. В ней есть все для игры: поло, перчатки, шорты и даже милые разноцветные шапки. В одной из таких Мураками сделал подачу на матче клуба.

Вовлечение зрителя. Херст, Йоко Оно, Абрамович 

Художники по-разному приглашают зрителей в свое искусство: через прикосновение к телу и одежде, провокационные картины и перформансы, которые пробуждают темные стороны людей и их страхи. 

Дэмиен Херст. Переосмысление реальности через экспрессию и провокации

Английский художник создает циклы картин с помощью нетрадиционных методов. В серии «Вращения» он располагает полотно на гончарном круге и, пока тот вращается, накидывает слой краски. Ни одна картина не похожа на другую. Так художник говорит о случае и его энергии. Каждый день у человека есть сотня своих случайностей, которые влияют на его жизнь.

В цикле «Бабочки» и «Калейдоскопы» главные герои — засушенные бабочки. Художник помещает их на однотонный холст или создает узоры из бабочек, которые сидят близко друг к другу. Так Херст рассуждает о смерти и ее красоте.

Йоко Оно. Телесность 

Японская художница исследовала общественные нормы и телесные границы. В одном из самых известных перформансов «Отрежь кусок» она сидела на сцене, а зрители обрезали ее одежду. Когда от платья ничего не осталось, они резали то, что под ним.

Йоко Оно создала «Фильм № 4», которым в начале карьеры вдохновлялась Марина Абрамович. 80 минут на видео появляются человеческие попы. Художница сняла 365 мужчин и женщин и показала, что пятая точка не менее важна, чем лицо. Мы качаем ее в зале, обтягиваем одеждой и показываем только близким. Но главное, мы видим ее только тогда, когда встанем перед зеркалом и намеренно повернемся. Йоко Оно вовлекла в свой перформанс много людей, которые поделились с ней частью своей интимной истории через эти кадры. 

Марина Абрамович. Королева перформанса

Первые мысли об искусстве как перформансе у сербской художницы появились в 14-летнем возрасте, когда друг отца Марины залил холст красками и подорвал его петардой. Эффект был ошеломляющим. К такому ощущению художница стремилась в каждой своей работе. 

В «Балканском барокко» она несколько дней подряд по 6 часов мыла 1500 костей перед зрителями. В процессе рассказывала о Югославии, ее распаде и войне в ней. Для перформанса «Ритм ноль» Абрамович разложила 72 предмета, в том числе нож, заряженный пистолет, ножницы и хлыст. Она стояла неподвижно, а люди из аудитории брали предметы и взаимодействовали с ее телом. Риск смерти от пули художницу не остановил. Это была проверка на вседозволенность, уровень жестокости и границы, когда человек останавливается и не причиняет боль другому. «Ритм ноль» — отсылка к «Отрежь кусок» Йоко Оно. 

Еще один перформанс, в котором люди были частью действия, — «В присутствии художника». Зрители приходили в пространство галереи, садились напротив Абрамович и смотрели ей в глаза. Простая вещь, про которую люди забывают в суете, — сесть напротив человека и в молчании понять себя или его. Весь перформанс в нью-йоркском Музее современного искусства шел 736 часов с перерывами на сон художницы. Особый эффект произвел творческий партнер Абрамович, Улай Лайсипен. На момент встречи они не виделись 22 года и все это время не общались.

Главное о постмодернизме в искусстве

Постмодернизм в искусстве сложился в середине 20-го века. В отличие от модернизма, который стремится к универсальным и абсолютным правилам в искусстве, постмодернизм заостряет внимание на иронии и игре. В постмодернизме все относительно, неидеально и у каждого творца есть свое право голоса. 

В постмодернистском искусстве жанры и стили смешиваются. Художники экспериментировали с визуальными языками, обращались к массовой культуре — например, так делал Энди Уорхол со своими коллажами. Картины стали многоуровневыми, и зритель не всегда понимает суть с первого взгляда. Он смотрит на произведение дольше, в его голове идет диалог с самим собой о смыслах и образах. Смысл стал важнее формы. 

Постмодернизм использует иронию и самоиронию. Художники ставят под вопрос традиции, создают провокационные работы, где высмеивают принятые в обществе привычки и нормы. Но художники-постмодернисты не похожи на авангардистов, которые намеренно уходят от классического искусства ради новаторства. Они цитируют и повторяют, а значит, переосмысляют уже существующие идеи. Критикуют, но вдохновляются. 

Постмодернисты верят, что каждая культура и человек имеют право на свои истории и самовыражение, поэтому не существует «правильной» версии событий или реальности. 

А еще постмодернизм любит новые технологии. Интерактивный и мультимедийный контент размывает границы между творцом и зрителем. Художники вовлекают свою аудиторию в соавторство своего искусства.