7 художниц, изменивших мир искусства: от итальянского Ренессанса до современного японского перформанса

Исторические барьеры: с чем сталкивались художницы

До XIX века женщины не могли получать полноценное художественное образование из-за запрета рисовать обнаженную натуру. Без знания анатомии создавать сложные композиции было невозможно. Поэтому женщины фактически не могли работать с монументальной живописью, которая тогда формировала канон великих мастеров. 

Реализовать свой потенциал можно было только в менее ценных жанрах — портрете и натюрморте. Но работы даже известных художниц после смерти могли приписываться окружающим их мужчинам. Например, произведения голландской художницы XVI века Юдит Лейстер долгое время считались то работами ее учителя, то ее мужа. Историю восстановили только в конце XIX века.

Дело не только в нормах времени, но и в правовых барьерах. После замужества женщины должны были заниматься только семьей. При этом на юридическом уровне запрещалось распоряжаться доходами, самостоятельно заключать контракты на заказы, владеть мастерской, выставляться в галереях. Поэтому если художница продолжала заниматься искусством, то чаще всего анонимно, в тени мужа.

Софонисба Ангиссола

Софонисба Ангиссола (1532–1625) стала одной из первых художниц эпохи Возрождения, которая добилась международного признания еще при жизни. В молодом возрасте итальянка Софонисба стала придворной художницей во дворе короля Испании Филиппа II. 

Как и современницы, Ангиссола не могла брать уроки анатомии и учиться в мастерской художников. Поэтому она достигла мастерства в «дозволенном» портретном жанре. А еще — вела творческую переписку с Микеланджело, который давал рекомендации к ее ранним работам.

Уникальность ее стиля в психологичности, в том числе в автопортретах — довольно смелых для Ренессанса. Она изображала себя за игрой на клавесине или с кистью в руках. Согласно изданию Washington Post, Ангиссола написала больше автопортретов, чем любой другой художник в период между Дюрером и Рембрандтом.

Артемизия Джентилески

Артемизия Джентилески (1593–1656) родилась в семье итальянского художника и с детства проводила время в мастерской отца. Художница написала много знаменитых полотен еще до совершеннолетия: «Мадонна с младенцем»,  «Артемизия Джентилески», «Сусанна и старцы» — в 17 лет. 

Композиции художницы были часто динамичными, в них была заметна работа с анатомией. Поэтому она одной из первых женщин начала писать сложные картины на библейские и мифологические темы.

В полотнах Артемизии Джентилески часто встречаются темы женской силы и отмщения. Знаковая картина «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» — самый яркий пример. В трактовках современников Юдифь часто изображали изящной и отстраненной. У Артемизии героини вовлечены в момент, они действуют решительно, сообща. Сюжет больше не аллегория.

А в работах «Клеопатра» и «Лукреция» художница исследует темы самоопределения и морального выбора.

Берта Моризо

Берта Моризо (1841–1895) — одна из французских художниц направления импрессионизм. Она входила в близкий круг основателей — Моне, Ренуар, Сезанн, Писсарро, Дега. Моризо единственная среди женщин участвовала в знаковой первой выставке импрессионистов 1874 года. 

Она не могла свободно выбираться на пленэры в город, как коллеги-импрессионисты, — по правилам приличия женщины не могли появляться в общественном месте в одиночестве. Поэтому Моризо чаще всего писала то, что ее окружает, — дом, семью и близких. 

Художница отражала личные переживания женщины: моменты материнства, сцены в саду, туалеты в будуаре. Её модели часто сестра, мать, дочь. Поэтому портреты отличаются особенно интимной нежностью и камерностью. 

Еще современники отмечали виртуозную работу с цветом. Моризо не использует большую палитру, в ее картинах много чистого белого цвета, поэтому полотна кажутся подсвеченными и воздушными.

Наталья Гончарова

Наталья Гончарова (1881–1962) стояла у истоков русского авангарда — ведущего направления искусства XX века. В ее работах переплетались свежие европейские течения с русской народной традицией, иконописью и лубком. 

Наталья происходила из дворянского рода Гончаровых. Сначала училась на скульптора, потом увлекалась живописью. В течение жизни художница много экспериментировала с техникой и направлением. В ее работах свободно встречаются элементы импрессионизма, фовизма, кубизма, футуризма. Гончарова не любила, когда ее стиль называли эклектикой. Она предпочитала термин «всёчество».

В творческом эпатажном дуэте с художником Михаилом Ларионовым они организовывали выставки авангарда и создавали свои арт-объединения. Кроме того, они создали новое авангардное течение лучизм, которое предвосхитило идею беспредметного современного искусства. 

Наталья Гончарова известна и как театральный художник. Вместе с Ларионовым она работала над «Русскими балетами» Дягилева — культовыми постановками, которые прошли в 1910–1930-х годах в Европе. Ее эскизы костюмов и декораций стали самостоятельными произведениями искусства.

Фрида Кало

Фрида Кало (1907–1954) стала одной из самых узнаваемых художниц в мире. Ее жизнь и бунтарский самобытный образ неотделимы от работ — каждая раскрывает разные этапы биографии Кало и ее самоощущения. Творчество Фриды называли «лентой, повязанной вокруг бомбы», на него повлияли два события — тяжелая автобусная авария и отношения с Диего Риверой. 

Авария произошла в 18 лет — стальной поручень пронзил тело девушки, она сломала позвоночник, таз, ребра и ногу. В итоге — десятки операций, проблемы со здоровьем и постоянные боли в течение жизни. Именно после аварии Кало начала рисовать — на специальном подрамнике, лежа в кровати и наблюдая за собой в зеркало.

Другая важная тема творчества —  яркие, но мучительные отношения с художником, Диего Риверой.

Стиль Кало легко узнать благодаря своеобразному художественному языку. Она сочетала традиции европейской станковой живописи с яркой символикой мексиканского народного искусства retablo и собственной мифологией.

В работах художницы много символов, метафор и аллегорий. В отличие от сюрреалистов, которые исследовали бессознательное, Фрида Кало без полутонов изображала конкретно свою реальность — из физической и эмоциональной боли. Кало впервые превратила уязвимое женское тело в объект искусства.

Тамара Лемпицка

Тамара Лемпицка (1898–1980) известна как первая художница, которая стала гламурной дивой, светской львицей «ревущих двадцатых» и обрела большой коммерческий успех при жизни. Она развивала стиль ар-деко в живописи. 

Тамара родилась в Варшаве, в обеспеченной польско-еврейской семье, ее имя — Мария Гурвич-Гурска. Во время революции вместе с мужем и дочерью уехала в Париж, как и многие аристократы. Средств не было, и ей пришла по-настоящему необычная для начала XX века идея — превратить живопись в профессию. И у нее это получилось. После Второй Мировой войны Лемпицка была вынуждена уехать в США.

Художница училась у постимпрессионистов Мориса Дени и Андре Лота, экспериментировала с популярным тогда кубизмом и неоклассицизмом. В итоге получился собственный успешный стиль — с отчужденными и холодными, но чувственными и раскрепощенными образами. Тамара Лемпицка заимствовала у старых мастеров чистоту линий и скульптурность форм, но трактовала их через геометрическую жесткость. 

Самый знаменитый портрет художницы — «Прекрасная Рафаэлла» с обнаженной натурой в духе скульптур Микеланджело, но с гладкой, почти лакированной поверхностью и геометрическими складками ткани.

Лемпицка создает образ новой женщины — успешной и свободной. Это демонстрирует «Автопортрет в зеленом бугатти». Художница изображает женскую фигуру как единое целое с машиной — в кожаном шлеме и перчатках, с гордым, вызывающим взглядом. 

Яёи Кусама

Яёи Кусама — самая дорогостоящая современная художница. Её творчество объединяет живопись, скульптуру, перформанс и моду. 

Японская художница с детства страдала обсессивно-компульсивным расстройством с галлюцинациями — во время приступов она повсюду видела размноженный узор. Лучшей терапией оказалось рисование: это помогало справиться с мучительными обсессиями — вынести их во внешний мир. С тех пор художница рисует размноженный узор в горошек на любых поверхностях.

В 1957 году Яёи переехала из Японии в Нью-Йорк и быстро вошла в авангардные круги. Кусама начала проводить хеппенинги — импровизированные уличные перформансы, где раскрашивала обнаженных участников (и иногда себя) в горошек. Эти акции принесли ей скандальную славу. 

Самая масштабная работа Яёи Кусамы — серия иммерсивных инсталляций «Бесконечные зеркальные комнаты». Зритель физически погружается в сознание художницы — благодаря зеркалам и свету обычная комната превращается в космическое пространство без границ, где бесконечно множатся одинаковые предметы.

В 1970-х из-за ухудшения здоровья она вернулась в Японию и с 1977 года живёт в токийской психиатрической клинике, где продолжает активно заниматься искусством. Её студия расположена неподалёку от больницы. Сейчас художнице 96 лет. 

Ключевые мысли о художницах в истории

• До XIX века системные барьеры закрывали женщинам доступ к академическому образованию, художницам было сложно пробиваться и быть автономными. Женское творчество ограничилось вариантами жанров, были проблемы с авторским правом и атрибуцией. 

• Софонисба Ангиссола и Артемизия Джентилески первыми начали создавать смелые женские образы. Берта Моризо стала важной фигурой импрессионизма: ее камерные «домашние» сцены и работа с белым цветом повлияли на развитие женских портретов. 

• Наталья Гончарова показала уникальность сочетания авангарда с русским фольклором. Фрида Кало использовала национальные традиции, но для того, чтобы откровенно и честно показать боль в разных ее проявлениях.

• Яёи Кусама и Тамара Лемпицка стали коммерчески успешными художницами, по-разному эксцентричными. Они определили современные направления и стали полноценными участницами арт-рынка.