Как Уолт Дисней изменил анимацию

Мультфильмы стали цветными

Уолт Дисней стремился пользоваться технологическими достижениями современных изобретателей. В 1932 году он обратил внимание на трехпленочную камеру «Техниколор», созданную Гербертом Калмусом и Дэниелом Комстоком.

Если описать процесс упрощенно, камера работает так:

1. Свет от объектива внутри камеры разбивается с помощью зеркала на два потока.
2. Первый поток проходит через зеленый светофильтр и попадает на одну из трех пленок.
3. Второй поток проходит через пурпурный фильтр, пропускающий синий и красный цвета, и попадает на две другие пленки. Одна из этих пленок поглощает синий, а другая красный цвет.
4. В итоге получаются три негатива, содержащие данные об интенсивности красного, зеленого и синего цветов.
5. С этих негативов изготавливаются позитивы-матрицы, которые переносятся на итоговую пленку с мультфильмом.

Технология позволила получить насыщенное цветное изображение. Впервые студия применила ее в короткометражном мультфильме «Цветы и деревья». Картина принесла Уолту Диснею первый «Оскар», а в 2021 году получила звание национального достояния США.

Уолт Дисней даже выкупил эксклюзивные права на использование технологии до 1934 года. Если другие студии снимали цветные мультфильмы, то им приходилось довольствоваться старым двухпленочным процессом, дающим меньший цветовой охват, чем «Техниколор».

Читайте также:

подборка мультфильмов с интересной рисовкой для развития насмотренности

Движения персонажей стали реалистичнее

Студия Disney популяризовала технологию ротоскопирования, или «эклера» — покадровой перерисовки кинопленки, отснятой с настоящими актерами и декорациями. Такой подход помогал сделать движения героев реалистичными и экономил время художников.

Например, с помощью ротоскопирования был нарисован принц в мультфильме «Белоснежка и семь гномов», а позже эта технология использовалась в «Золушке» и «Алисе в Стране чудес». Современным вариантом такого метода можно считать motion capture, при котором движения живых актеров считываются с помощью специальных датчиков.

Даже если ротоскопирование не использовалось, для создания многих картин в студию Disney приглашали живых людей. Те двигались, показывая прописанные в сценарии движения, а художники рисовали все с натуры, чтобы добиться реалистичности.

Пожалуй, главный пример такого подхода был продемонстрирован при создании мультфильма «Бэмби», когда в студию привезли настоящих оленей, чтобы аниматоры смогли изучить их движения. Впрочем, именно в этом мультфильме от тотальной реалистичности все же отказались, решив сделать анимацию более эмоциональной и минималистичной.

Сформировались принципы анимации, актуальные и сейчас

Студия выпускала много мультфильмов, а значит, аниматоры могли пробовать разные подходы к отрисовке персонажей и их действий — это помогало им изучать, что именно делает движения героев выразительными и как в мультипликации можно отразить законы физики реального мира. Выработанные негласные правила активно использовались в произведениях золотого века анимации — периода популярности мультфильмов, продлившегося до 1960-х.

Негласными они, впрочем, оставались до 1980-х. В 1981 году заслуженные мультипликаторы студии Олли Джонстон и Фрэнк Томас выпускают книгу «Иллюзия жизни: анимация Диснея», в которой формулируют 12 принципов анимации.

Эти правила не только вневременные, но и междисциплинарные — им следуют не только современные аниматоры, но и моушн-дизайнеры или иллюстраторы.

Читайте также:

12 основных принципов анимации и их влияние на моушн-дизайн

В мультфильмах появилась многоплановость

Студия Disney одной из первых использовала многоплановую камеру — специальный станок с несколькими слоями декораций и объективом, позволяющий добавлять сцене глубину. Тут аниматоры Disney не были первопроходцами, но, как и в случае с ротоскопированием, они сделали технологию популярной, отсняв на эту камеру такие фильмы, как «Старая мельница» и «Белоснежка и семь гномов».

Одну из первых многоплановых камер в 1933 году разработал Аб Айверкс — аниматор Disney и создатель Микки Мауса собрал ее из запчастей автомобиля Chevrolet. Более совершенные системы использовались Disney вплоть до конца 20 века, когда съемку на камеры заменили более удобные цифровые технологии.

Аниматоры стали не только художниками, но и изобретателями

Кроме новых технологий, аниматоры использовали подручные средства, чтобы создать те или иные спецэффекты. Ряд таких придумок реализован в мультфильме «Фантазия», где мультипликаторы изображали дым с помощью чернильных разводов в таре с водой или росу, снимая подсвеченную металлическую стружку.

Уолт Дисней не только поощрял изобретательность сотрудников премией за каждый придуманный трюк, но и сам проявлял находчивость. Например, поставил на столы маленькие зеркала, чтобы аниматоры могли скорчить себе рожицу и быстро срисовать мимику для персонажа.

В 1930-х годах у аниматоров Disney даже была специальная площадка для экспериментов и проб новых персонажей и инструментов. Эту роль выполнял сериал с небольшими музыкальными зарисовками «Глупые симфонии». Именно в нем дебютировали Дональд Дак и Плуто, а также вышел эпизод «Цветы и деревья», в котором студия впервые поэкспериментировала с цветной съемкой на «Техниколор».

Музыка и звук стали важными в анимации

Начиная с мультфильма «Пароходик Вилли», выпущенного в 1928 году, Disney стала использовать звук не просто как фон для нарисованных диалогов, а как важный инструмент, дополняющий сюжет. «Пароходик Вилли» часто называют первым мультфильмом со звуком, но технически это не так. За четыре года до этого аниматор Макс Флейшер уже использовал аудиодорожку в одном из эпизодов своего проекта Song Car-Tunes. Зато в мультфильме Disney звук обретает конкретный смысл — теперь это не просто музыкальная подложка, а восклицание Микки Мауса, сигнальный гудок или смех попугая.

Также Disney нанимала для озвучивания мультфильмов большие оркестры. Самым знаменитым примером стал первый киномузыкальный анимационный спектакль «Фантазия», музыку для которого записал Филадельфийский оркестр под руководством известного дирижера Леопольда Стоковского.

«Фантазия» была первым мультфильмом, в котором звук «научился» следовать за объектом в кадре. Чтобы наделить изображение аудиопанорамой, нанятый студией изобретатель Уильям Гэрити разработал технологию «Фантасаунд» — первую в мире систему многоканального аудио в кино.

Подобная система вынудила Disney показывать «Фантазию» в гастрольном формате — в кинотеатрах не было нужного оборудования, и персоналу студии приходилось возить его с собой.

В индустрии впервые появились большие деньги

В 1934 году у Уолта Диснея появилась идея снять «Белоснежку и семь гномов» — первый полнометражный рисованный мультфильм. По легенде, он накормил аниматоров ужином, а потом собрал их в павильоне звукозаписи, где два часа пересказывал историю Белоснежки, попутно разыгрывая все роли, задействованные в мультфильме.

Замысел был амбициозным, если не безумным — бюджет на отрисовку (а не вырезную перекладку) полнометражной картины с цветом и звуком даже в начале работы составил 250 тыс. долларов. Спустя три года производства бюджет вырос до полутора миллионов, а Уолту пришлось заложить дом, чтобы доделать мультфильм и не обанкротить студию.

Старания окупились. Фильм стал предвестником золотого века анимации, заложил основу для будущих полнометражных картин студии и стал самым кассовым на момент выпуска, заработав восемь миллионов долларов в первом прокате.

В анимацию пришел индустриальный подход

Уолт Дисней реализовал в студии принцип конвейера: одни художники рисовали заготовки, другие накладывали персонажей, третьи отвечали за мелкие детали. Мультфильмы стали производиться быстрее, а специалисты стали заменяемыми — даже уход создателя Микки Мауса и одного из самых продуктивных аниматоров Аба Айверкса не сильно сказался на жизни студии.

Показательный пример «конвейеризации» — переход к ксерокопированию. К концу золотого века анимации Disney переживала нелегкие времена. Технология производства мультфильмов была дорогой, при этом недавно вышедшая «Спящая красавица» провалилась в прокате. Студию спас метод ксерокопирования, который впервые применили в вышедшем в 1961 году «101 далматинце». Бюджет картины был на два миллиона долларов меньше, чем бюджет «Спящей красавицы», для которой аниматоры рисовали все вручную.