5 творческих миров Пабло Пикассо

Основы жизни Пикассо: искусство, любовь, смерть

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в испанской Малаге. Его отец занимался живописью и работал смотрителем местного музея. Мать была из зажиточного рода, который владел виноградниками.

В 7 лет Пабло помогал отцу с картинами, а в 13 уже заканчивал его полотна. Первую картину маслом, «Пикадор», он написал в 1889 году после похода на корриду вместе с отцом.

Пикассо учился в Академии художеств в Барселоне, в 1897 году перевелся в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде. Там он погрузился в работы Диего Веласкеса, Франсиско Гойи и Эль Греко.

В 15 лет Пабло написал картину «Знание и милосердие». Фигуру врача художник списал с отца, а образы рук уже намекали на стиль, который Пикассо покажет в тоскливом «голубом периоде» своего творчества.

Пикассо мог бы остаться в рамках реализма — у него было все для этого: техника, наблюдательность, врожденное чувство формы. Но он быстро понял, что просто копировать действительность ему неинтересно. Хотелось большего — выразительности, экспериментов, цвета. В его ранних работах уже заметны попытки выйти за границы школы: он заимствует мягкость у импрессионистов, усиливает цвет, упрощает форму.

Картина «Испанская пара перед гостиницей» (1900) завершает этот этап поисков. Это своего рода прощание с академическим подходом — Пикассо всё еще работает в традиционном жанре, но уже чувствуется, что он готов выйти за его пределы. В композиции появляется напряжение, фигуры намеренно утрированы, а живописная манера — смелее. Вскоре за этой работой последует переезд в Париж и новый виток — сине-голубой период.

Новый, взрослый мир характеров, от падших до нарциссических, он увидел в свой первый визит в Париж в 1900 году. И именно благодаря этому городу он повзрослел. 

Любопытство Пикассо двигало его к экспериментам: он пробовал разные стили и даже стоял у истоков кубизма. В этом направлении художники изображали предметы в виде геометрических фигур, собирали из них человеческое тело и создавали хаос, который распутывал глаз зрителя. 

Посмотрим на основные периоды в карьере художника. 

Пять творческих периодов Пикассо

После поездки в Париж на Всемирную выставку со своим товарищем, художником Касагемасом, мир Пикассо не был прежним. Там он познакомился с импрессионистами, подражал их вязким и текучим мазкам. Он наблюдал за жителями Парижа и, вероятно, уже тогда понимал, что не останется в Испании. Началом «взрослого» творчества стала личная трагедия художника.

Голубой период (1901–1904)

Друг Пикассо, художник Карлос Касагемас, был сыном генерального консула США в Барселоне. Они познакомились в 1900 году в барселонском кафе «У четырех котов», вместе снимали мастерскую и путешествовали. Во время их совместной поездки в Париж Касагемас безответно влюбился во французскую танцовщицу кабаре «Мулен Руж» Жермен Пишо. В 1901 году он совершил самоубийство из-за этой несчастной любви.

Пикассо впал в апатию. Это отразилось и в картинах: он рисовал холодных, задумчивых и отстраненных персонажей. Один из важных элементов — руки у лица, которые усиливают погружение в свои мысли.

Во многих картинах зритель видит человека, который сидит за столом, тоскует, пьет и ведет внутренний диалог. Драма накалена до предела: художник гипертрофирует части тела и показывает, как герои защищают себя от боли. «Любительница абсента» обнимает себя руками.

А «Склонившийся Арлекин» держит пальцы у виска и тревожно смотрит в сторону.

Синие и серые цвета Пикассо выбирает из-за нехватки денег на более дорогие оттенки. Он переживает не лучшие времена и пишет угловато, жестко, все герои на переднем плане находятся под микроскопом. Больно Пикассо — больно и его героям. 

Тоска настолько сдавливает художника, что даже проблемы с деньгами не останавливают его от переезда во Францию. В 1904 году он навсегда покидает Испанию.

Розовый период (1904–1906)

Грусть сменяется яркими красками: Пикассо использует розовую и оранжевую палитру. На картинах много акробатов, жонглеров и артистов. Он перебирается в Париж и там наблюдает за цирком Медрано. Пикассо ожил, а вместе с ним и силуэты на картинах. 

В 1905 году он написал одно из самых известных полотен в своей карьере, «Девочку на шаре». 

Гибкая акробатка балансирует на шаре, а атлет сидит на кубе. Здесь Пикассо сочетает мужскую силу и женскую грацию, делает первые намеки на кубизм. Мужское и женское символизируют жизненную гармонию и новое творческое начало.

При этом он иногда возвращается в прошлый депрессивный период и делает персонажей-весельчаков задумчивыми. Они не тоскуют, но выглядят уставшими или сосредоточенными. Вот мать и сын, которые сидят за трапезой после выступления. Снова руки у лица, а у мальчика они скрещены на груди в закрытой позе. 

Кубизм (1907–1917) 

В 1907 году Пикассо рассматривает африканское искусство на этнографической выставке в парижском музее Трокадеро. Ему нравится колдовская суть предметов: идолы, маски и фигуры богов — не декор помещения, через них люди общаются с духами и высшими силами. 

Пикассо вдохновляется африканским опытом и упрощает формы. Лица его героев становятся масками, а позы — причудливыми, ритуальными. Персонажи сливаются с пространством — они его часть, а не просто фигуры на переднем плане. 

Картину «Авиньонские девицы» Пикассо пишет в 1907 году и вкладывает туда все свои наблюдения за африканским стилем. Это полотно — начало кубизма. 

Женщины похожи на статуэтки с лицами-масками африканских божеств. Первые зрители задавались вопросом: красивы ли тела героинь? Почему художник их исказил? Это эстетика геометрии, которая в наше время уже стала классикой. 

В других работах Пикассо создает трехмерное пространство внутри двумерного холста. 

В раннем кубизме художник берет немного предметов в композицию, но со временем их становится все больше. «Зеленая миска и черная бутылка» — работа 1908 года, а «Арлекин» — 1915-го. 

На первом полотне всего два центральных предмета, на втором — один, но со множеством деталей, которые ломают зрительский мозг. 

Ближе к концу этого периода Пикассо использует коллажи. Так он создает «синтетический кубизм», где к краскам добавляет газеты, ткани, землю. Картины становятся арт-объектами. 

Коллажи — часть ответов на вопросы, которые в то время задавали себе кубисты: зачем рисовать, если появились технологии, а искусство стало массовым? Какие образы нужны зрителю и как художнику проявить себя? 

О разделении целого предмета на мелкие детали Пикассо говорит: «Зритель видит картину только по частям; всегда лишь фрагмент за раз: например, голову, но не тело, если это портрет; или глаз, но не нос или рот. Следовательно, все всегда правильно».

Кубизм раскрепощает художника и раскрывает его талант. Но искажение форм приводит к тому, что работы Пикассо зрители воспринимают как абстрактное высказывание. Ему это не нравится — он хочет, чтобы люди видели его эмоции и замысел в полотнах. Из-за этого Пикассо уходит от кубизма и увлекается классическими образами.

Это не полноценное возвращение к реализму, но абстракции и острой геометрии станет меньше.

Классический период (1917—1937)

На возвращение к более понятной живописи влияют:

• дружба с Сергеем Дягилевым и его труппой;
• отношения с балериной Ольгой Хохловой, которая позже станет его женой;
• поездка в Рим, где царит превосходство человеческого тела и античных образов. 

Пикассо и Дягилева знакомит их общая подруга — французская пианистка Мися Серт. Художник рисует декорации, костюмы к балетам и параллельно — Ольгу, которой нравится реалистичная манера письма.

В конце 1910-х — начале 1920-х годов искусство тянется к монументальности и в то же время ищет новое прочтение себя. Эти стремления Пикассо отражает в картинах с «плавными, округлыми» женщинами у воды: гипертрофированные образы, волосы назад, движение наравне с облаками.

Роман с классикой заканчивается встречей с моделью Марией Терезой Вальтер и дружбой с основоположником сюрреализма в литературе Анри Бретоном. 

Так Пикассо не просто возвращается к классике — он использует ее как материал для эксперимента. Его интересует не копия античности, а ее трансформация: как читаются знакомые формы в новом контексте, что происходит, когда в монументальность вмешивается личное. Этот период становится важной точкой роста — художник учится говорить на языке традиции, но по-своему.

Сюрреализм (с 1925)

Пикассо говорит о периоде сюрреализма в своем творчестве: «Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не такими, какими я их вижу».

Все объекты художник разбирает, как конструктор, и собирает заново. Этот стиль он использует в своих работах до конца жизни.

Марии Терезы в сюрреализме было много: она появляется в нескольких картинах, в том числе «Женщине с цветком» и графике. Пикассо пишет серию гравюр «Сюита Воллара» по заказу арт-дилера Амбруаза Воллара. 

Там он исследует разные темы: легенды о Минотавре, чудовище из критского лабиринта, истории любви, насилия, обнаженного тела. Женским персонажем неизменно остается Мария.

Сюжет становится лишь поводом — в центре всегда ощущение, ассоциация, личный символизм. Для Пикассо сюрреализм — не стиль, а способ мышления. Он позволяет соединить миф, чувственность и страх в одном кадре, сделать видимым то, что обычно скрыто. Именно в этом периоде раскрывается его талант наблюдателя не за формой, а за внутренней жизнью образа.

Главное о творчестве Пикассо 

Пабло Пикассо непрерывно экспериментировал с искусством. Исследователи выделяют пять периодов его творчества.

Первым был «голубой период» (1901–1904), и начался он из-за личной трагедии — самоубийства друга. В это время Пикассо использовал холодные тона и изображал тоскующих персонажей. Так он отражал свою боль от потери друга. 

В следующем, «розовом периоде» (1904–1906) Пикассо переехал в Париж и окрасил свои работы розовыми и оранжевыми цветами. В это время он вдохновлялся цирковыми артистами. 

Период кубизма начался в 1907 году, когда Пикассо посетил этнографическую выставку в парижском музее Трокадеро. Там он увидел африканское искусство. Оно так вдохновило художника, что он написал картину «Авиньонские девицы». Она положила начало кубизму. 

Пикассо создавал иллюзию трехмерного пространства на двумерном холсте, а позже внедрил коллажи с элементами газет, ткани и других материалов. Зрители не всегда считывали замысел автора, поэтому в 1917 году художник отошел от кубизма и начал свой «классический период» (1917–1937).

В это время он сотрудничал с Сергеем Дягилевым, автором балета «Русские сезоны», и женился на балерине Ольге Хохловой. Его образы стали плавными, округлыми и гипертрофированными. Но при этом он писал и реалистичные портреты. 

В 1925 году Пикассо увлекся сюрреализмом. Это был пятый период его искусства. Он влюбился в модель Марию Терезу Вальтер и сблизился с сюрреалистами. В этот период он изображал предметы так, как думал о них, а не так, как они выглядели.