20 русских художников: великие имена в истории искусства

Андрей Рублёв (около 1360 — 1428/1430)

Классическая традиция в русской живописи неотъемлемо связана с иконописью. Именно так формировалась национальная школа — от религиозного канона к светской живописи. Одним из главных художников того периода был Андрей Рублёв — он занимался иконописью, книжной и монументальной живописью. Его можно назвать отцом национальной традиции иконописи: в работах мастера отражается духовный подъем, случившийся на Руси во второй половине XIV — начале XV века, после отхождения от суровости византийской традиции.

Дмитрий Левицкий (1735–1822)

Светскую живопись в екатерининскую эпоху определял портрет — наиболее популярный жанр при дворе. Дмитрий Левицкий был крупнейшим петербургским портретистом. Он создал целую портретную галерею деятелей русской культуры, серию портретов воспитанниц Смольного института благородных девиц и даже написал портрет Дидро. 

Карл Брюллов (1799–1852)

Карл Брюллов родился в семье потомственных художников, так что успех его как живописца был лишь вопросом времени. При этом Брюллов стал не просто известным художником, но чуть ли не первым русским живописцем, который получил такую популярность в Европе. Его полюбили за монументальные исторические картины и крупные росписи, но также он работал как портретист и жанрист. Технически Брюллов не придумал в живописи ничего нового, но смог довести актуальную художественную школу до такого уровня мастерства, что его работы вошли в историю как главные образцы живописи периода романтизма. 

Александр Иванов (1806–1858)

Александр Иванов — еще один потомственный художник. Его отец Андрей Иванов был наставником сына, тем более что картины они любили схожие — сложные духовные изыскания с привлечением библейских сюжетов. Александр Иванов быстро стал одним из главных художников николаевской эпохи и классицизма в Российской империи. 

В 1830 году художник отправился в Рим, где занимался эскизами на библейские мотивы — тогда у него появилась идея картины на сюжет первого явления Мессии народу. В 1834–1835 годах он писал «Явление Христа Марии Магдалине после воскресения» — это стало первой пробой пера. Получив поддержку спонсоров, он начал работу над новой картиной в 1836 году. Публика увидела «Явление Христа народу» только в 1858 году.

Иван Крамской (1837–1887)

Вторая половина XIX века тесно связана с работами передвижников. Именно тогда многие художники отказывались от мифологических сюжетов в пользу реализма. Среди них был и Иван Крамской — главный идеолог «бунта четырнадцати» (бунта студентов, которые отказались от участия в конкурсе на большую золотую медаль к 100-летию Академии художеств) и Товарищества передвижников. Крамской был мастером глубокого психологического портрета и продолжал в своей живописи гуманистические идеи, которые в тот период активно развивал Александр Иванов.

Илья Репин (1844–1930)

С самого начала своего творческого пути Илья Репин развивал и продвигал реализм как основной подход в живописи. Он был близок с передвижниками и академиками и старался быть в своем творчестве честным и правдивым. Для него было важно показать то, что отражает реальность и говорит на злобу дня, — поэтому он часто сочетал в работах социальную репортажность и мастерство исторической живописи. 

Считается, что Репин решил написать картину с бурлаками, когда увидел их на Неве. Молодого художника поразил контраст между тяжело работающими людьми и остальными жителями города. Но после поездки на Волгу в 1870 году место действия сменилось — и картину «Бурлаки на Волге» Репин закончил через три года, в 1873-м.

На картину о трагических событиях художника вдохновил концерт Римского-Корсакова — после его посещения он долго думал, какая фактура может быть подходящей для передачи схожего настроения. Так выбор пал на образ Ивана Грозного. Картину «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» Репин закончил в 1885 году — тогда же император Александр III настоятельно рекомендовал убрать картину с выставок и никогда не показывать публике. 

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:

Илья Репин: мастер портрета и художник эмоций

Василий Суриков (1848–1916)

Василий Суриков тоже был реалистом. Для него было важно передать психологию и быт, но специализировался он на исторических сюжетах. В центре его творчества — масштабные исторические драмы, где можно увидеть, как ведет себя простой народ. 

«Утро стрелецкой казни» Суриков писал около трех лет: в 1878 году он создал первые эскизы картины, а в 1881 году представил полотно на выставке передвижников. Именно с этого момента имя Сурикова стали связывать с крупномасштабными картинами на сюжеты русской истории. И не без причины — во время подготовки картины художник серьезно погрузился в исторические источники о бунте и культурном контексте его возникновения. 

На картине «Боярыня Морозова» Суриков изобразил раскол православной церкви. В санях — старообрядка Феодосия Прокофьевна Морозова, которую везут по улицам после допроса в Чудовом монастыре. 

Картина «Посещение царевной женского монастыря» стала одной из последних в творчестве художника. В 1916 году Суриков скончался от болезни.

Иван Айвазовский (1817–1900)

Под конец XIX века сложилась традиция национального пейзажа: это уникальный взгляд русских художников на природу, который часто отражал не только живописные виды, но и внутреннее состояние человека. Важной частью жанра были марины — морские пейзажи, само понятие которых теперь тесно ассоциируется с работами Ивана Айвазовского. 

Чаще всего Айвазовский рисовал марины просто чтобы наслаждаться процессом, так что сюжет в них второстепенен. Например, в картине «Бриг „Меркурий“…» он угадывается с большим трудом.

У Айвазовского много картин о военных событиях, преимущественно — о морских сражениях. «Чесменский бой» посвящен победе военного флота Российской империи над турецким в Чесменском бою 1770 года. 

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:

Гений морской стихии: магия картин Айвазовского

Иван Шишкин (1832–1898)

Другим легендарным пейзажистом того периода был Иван Шишкин. Его работы — это русские леса и поля, изображенные чуть ли не с фотографической точностью. Его пейзажи будто окружают зрителя. Шишкин был и художником-гравером: известно около 100 его офортов и 68 оригинальных литографий. Для их создания он изучал опыт зарубежных практиков-граверов и пробовал новые методы. 

Исаак Левитан (1860–1900)

Считается, что именно Исаак Левитан стал первым в традиции «пейзажа настроения». Его пейзажи — спокойные и поэтичные, при этом каждая их деталь работает на общее настроение картины. 

Пейзаж «Весна» относят к «мажорной серии» художника 1895–1897 годов. Левитан предлагает здесь нетипичный взгляд на весну: половодье, затопленные земли и сине-желтые оттенки. 

В композиции картины «Березовая роща» художник вообще не использует объекты, которые могут привлекать особое внимание, а формирует так называемый «лесной интерьер». 

Виктор Васнецов (1848–1926)

На рубеже веков, в период контрреформ, многие художники стали искать новые смыслы и сюжеты. На картины вернулись сказочные истории, только теперь это был национальный миф. Виктор Васнецов оказался тем художником, который смог перенести русский фольклор и былины на монументальные холсты, отбросив реализм. 

В 1878 году Васнецов переехал в Москву и стал участником Абрамцевского художественного кружка Саввы Ивановича Мамонтова. В тот период он активно работал над картинами былинно-исторического жанра. 

Васнецов занимался также и религиозной живописью. В 1887 году он создал картину «Воины Апокалипсиса» — в то время он работал над эскизами для росписи Владимирского собора в Киеве, но именно этот сюжет не вошел в итоговый проект собора. 

Многим Васнецов известен как художник, иллюстрирующий сказочные сюжеты. В конце XIX века он начал работу над циклом «Поэма семи сказок».

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:
Виктор Васнецов: основоположник «русского стиля» в живописи
https://media.contented.ru/vdohnovenie/kofebrejk/viktor-vasnecov-osnovopolozhnik-russkogo-stilya-v-zhivopisi/

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:

Виктор Васнецов: основоположник «русского стиля» в живописи

Михаил Врубель (1856–1910)

Отход от реализма привел художников к символизму. Среди символистов того периода особняком стоит Михаил Врубель, чьи творческие искания поначалу не находили поддержки ни в Академии, ни и у критиков. Он пробовал себя практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства, занимался церковной живописью и книжными иллюстрациями. Последние годы жизни художника омрачила тяжелая болезнь, что вкупе с мистической живописью создало вокруг него ореол таинственности и безумия. 

Картину «Девочка на фоне персидского ковра» Врубель написал в 1886 году. Тогда он был еще практически никому не известным художником — в 1884 году он только приехал в Киев, чтобы принять участие в росписи Кирилловской церкви. 

Считается, что Врубель был одержим образом демона. В 1890 году он написал картину «Демон сидящий», в 1891 году создал несколько иллюстраций к поэме М. Ю. Лермонтова, в 1894-м — керамическую голову демона, в 1896-м работал над эскизами декораций к опере «Демон». В 1899 году он написал работу «Летящий демон», в 1902-м — «Демон поверженный». 

Еще один сказочный герой картин Врубеля — Царевна-Лебедь из оперы Николая Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане».

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:

Ангелы и демоны Михаила Врубеля

Валентин Серов (1865–1911)

Валентин Серов начинал с работ в стиле импрессионизма — использовал широкие, пастозные мазки, любил игру света и выступал за естественность. Но он не был импрессионистом в чистом виде: за годы творчества Серов перешел от легкости к графичности. В его жизни был период, когда он занимался психологическим портретом, но затем художник переключился на лаконичные и декоративные работы в стиле модерн.

«Девочка с персиками» — это портрет Веры Саввичны Мамонтовой, дочери знаменитого русского купца Саввы Ивановича Мамонтова. В тот период творчества Серов создавал картины, которые стали эталоном импрессионистского портрета. 

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:

10 картин Валентина Серова, которые нужно знать

Борис Кустодиев (1878–1927)

В начале своей карьеры Борис Кустодиев уже был известным портретистом и успешно выполнял заказы от знатных персон. С течением времени его стиль развивался: появлялись элементы модерна, а картины переросли жанр портрета, став изображением яркого мифа о купеческой жизни.

В 1900-х Кустодиев развивал свой стиль через добавление детализированного фона, чтобы раскрыть героя через окружающий мир. 

Кустодиев долго планировал картину, в центре которой — купчиха за чаепитием. Героиней работы стала баронесса Галина Адеркас. Благодаря этой и последующим картинам о быте Кустодиева стали называть художником купечества. 

Константин Коровин (1861–1939)

В начале XX века главным художественным стилем в стране был импрессионизм, а Константин Коровин стал первым и, наверное, главным импрессионистом из круга так называемых русских импрессионистов. Для него в живописи были важны чистые эмоции, игра света и изменчивость момента. Он был первым, кто начал писать картины целиком на пленэре в свободной, импрессионистической технике.

В 1894 году Коровин отправился в поездку на север России и в Скандинавию. Итогом стала серия северных этюдов, самый популярный из которых — картина «Геммерфест. Северное сияние». На ее создание художника вдохновило посещение города Хаммерфест, одного из самых северных поселений Европы. 

Михаил Ларионов (1881–1964)

Затем на смену импрессионизму пришел авангард. На многих художников того периода оказали влияние тренды западной живописи. В том числе на Михаила Ларионова: вдохновившись работами фовизма и наивного искусства, он обратился к примитивистской манере, став одним из первых российских авангардистов. Он создал и собственное направление — лучизм, в котором художник предлагает полностью отказаться от формы, ведь человек видит не сами предметы, а лишь отраженные от них лучи света.

Наталья Гончарова (1881–1962)

Наталья Гончарова вместе с Михаилом Ларионовым стояла в самом начале авангардного течения в стране. Ее работы — это радикальный футуризм, обращение к иконописи и элементы графики. Гончарова за годы своего творчества много раз сталкивалась с цензурой: ее авангардную технику в изображении религиозных сюжетов активно критиковали, выставки закрывали, художницу даже обвиняли в распространении порнографии за работы, выполненные с натуры.

Василий Кандинский (1866–1944)

Василий Кандинский был тем самым художником, который смог полностью убрать предмет из живописи. Он стал идеологом абстракционизма, показав, что в живописи главное — это формы и цвета, а не сюжет. 

В конце 1910-х работы Кандинского становились все более геометрическими. Также в тот период он экспериментировал с методами нанесения изображения. «Амазонка в горах» написана маслом на обратной стороне стекла. Такой метод восходит к традициям старонемецкой народной живописи из Баварии.

«Двойной аккорд» — одна из самых последних работ Кандинского. В тот период он уже давно отказался от смысловой составляющей и делал акцент на форме и цвете. По задумке художника, в этой картине важен приглушенный зеленый, ассоциирующийся с протяжными тонами скрипки. Его дополняют другие оттенки, связанные с музыкальными инструментами: теплый насыщенный красный звучит как туба, нежный голубой — флейта, желтый цвет — высокая труба или фанфары, красный — барабан, синий — виолончель, а темно-синий — контрабас. 

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:

Как Василий Кандинский стал «всадником авангарда»

Казимир Малевич (1879–1935)

Над созданием собственного направления Казимир Малевич работал много лет: в 1916 году он издал манифест «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм». В своем программном тексте он объявил, что искусство не должно подражать природе, его задача — это создание новых форм. Так и появился супрематизм, одно из радикальных направлений авангарда. 

Кроме «Черного квадрата» у Малевича были и другие схожие работы. Он создал триптих «Черный квадрат» (1915), «Черный крест» (1915) и «Черный круг» (1923). Квадрат, крест и круг Малевич считал тремя основными элементами супрематической системы. 

«Супрематическая композиция», или «Синий прямоугольник поверх красного луча» (1916) — это собрание главных символов супрематизма, расположенных в диагональной проекции. В 2018 году эту картину продали за 85 млн долларов, что сделало ее не только самой дорогой из работ Малевича, но в целом самым дорогим произведением русского искусства. 

Картину «Скачет красная конница» Малевич написал где-то в промежутке между 1928 и 1932 годом, хотя картина была подписана как выполненная в 1918 году — на многих поздних работах художник ставил более ранние даты. Подпись на обратной стороне поясняет сюжет картины так: «Скачет красная конница из октябрьской столицы, на защиту советской границы». 

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:

Как Казимир Малевич обнулил искусство

Марк Шагал (1887–1985)

Марк Шагал сформировал свой авторский подход внутри экспрессионизма. Он создал свою поэтическую вселенную, где исторические факты, личные воспоминания и фольклор смешались в единый нарратив. 

В своих работах Шагал много размышлял над темами дома и родины. Картина «Серый дом» — одна работ серии, которую он написал в период Первой мировой войны в родном Витебске. Здесь художник создает универсальный пейзаж провинции, используя для этого разные планы и сюжеты.